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16. Februar bis 8. April 2018 - Kunst und Leidenschaft. 50 Jahre Kunstverein Gelsenkirchen e.V.

„Kunst & Leidenschaft – 50 Jahre Kunstverein Gelsenkirchen“, unter diesem Titel begeht der Kunstverein Gelsenkirchen mit einer Ausstellung vom 16. Februar bis zum 8. April 2018 im Kunstmuseum Gelsenkirchen sein 50jähriges Vereinsjubiläum.
50 Jahre Kunstverein, das heißt 50 Jahre Leidenschaft für die Kunst und Einsatz für die Interessen ihrer Produzenten, 50 Jahre unermüdliches Engagement für die, nicht zuletzt, heimischen Künstlerinnen und Künstler, für Vermittlung, Akzeptanz und Verständnis ihrer Ideen, Innovationen und - manchmal auch – Provokationen beim Publikum.
Künstlerinnen und Künstler mit ihrem Schaffen und Ihren Visionen sind die Existenzgrundlage, ja die wesentliche Existenzberechtigung eines jeden Kunstvereins. Zur 50-Jahr-Feier sollen sie deshalb selbstverständlich auch im Mittelpunkt der Feierlichkeiten stehen. Deshalb hat der Kunstverein nun jene Künstlerinnen und Künstler, mit deren Werken, Aktionen und Ideen er in seiner bisherigen Tätigkeit in Interaktion getreten ist, zum Mitmachen eingeladen. Dazu wurde ihnen ein Karton zur Verfügung gestellt, den sie als Ausstellungsexponat nach Belieben entweder als Mal- und Gestaltungsgrund bearbeiten oder aber auch zum Objekt umgestalten konnten.
Ins Leben gerufen wurde der Verein im Jahre 1968 als „Kreis Gelsenkirchener Kunstfreunde“ von Paul Szepan. Ab 1971 übernahm Dr. Rainer Decker den Vereinsvorsitz, bis er 1974 von Uwe Obier abgelöst wurde, der die Umbenennung zum Kunstverein Gelsenkirchen vollzog.  Nach 6 Jahren im Amt folgte ihm Anneliese Knorr als Vereinsvorsitzende, die ohne jede Übertreibung als die Grand Dame, als die große Mentorin der Gelsenkirchener Kunstszene der Nachkriegszeit bezeichnet werden darf. Seit 1984 nun liegt der Vorsitz des Vereins, bis zu Anneliese Knorrs Tod im Jahre 2003 noch in enger inhaltlicher und konzeptioneller Kooperation mit ihr, in den Händen von Ulrich Daduna.

6. Mai bis 16. September 2018 - Kunst & Kohle: Alicja Kwade mit Dirk Bell, Gregor Hildebrandt und Rinus Van de Velde

17 RuhrKunstMuseen nehmen den Kohleausstieg 2018 zum Anlass für das größte städteübergreifende Ausstellungsprojekt, das je zu diesem Thema umgesetzt wurde.
In 13 Städten werden von Mai bis September 2018 zeitgleich über die gesamte Region hinweg künstlerische Positionen gezeigt, die sich auf unterschiedliche Art und Weise mit dem Thema "Kohle" auseinandersetzen. Die Einbindung kulturhistorischer Exponate wird dabei ebenso eine Rolle spielen, wie die Präsentation neuer künstlerischer Tendenzen.
Im Kunstmuseum Gelsenkirchen ist die in Berlin lebende international agierende Künstlerin Alicja Kwade (geb. 1979 in Kattowitz, Polen) mit ihren Künstlerkollegen Dirk Bell, Gregor Hildebrand und Rinus van de Velde zu Gast. Sie ist bekannt dafür, Fundstücke und arme Materialien in Pretiosen zu verwandeln. Ihre Rauminstallation schlägt eine Brücke zum ehemaligen Maschinenhaus der Zeche Consolidation, in dem die aus Relikten des Bergbaus bestehende Installation von Werner Thiel zu sehen ist.

Zur Ausstellung ist ein Katalog erschienen.

12. Oktober bis 18. November 2018 - Lebensläufe „Erinnerungen“

Nach längerer Pause werden die „Lebensläufe“, die zur Tradition im Ausstellungsgeschehen des Kunstvereins Gelsenkirchen gehören, wieder aufgenommen. Lokale und regionale Künstlerpersönlichkeiten bekommen aus Anlass besonderer Jahrestage, Ehrungen oder runder Geburtstage die Möglichkeit der Ausstellung im Museum.
Teilnehmer sind u.a.: Peter Faßbender (T), Heinz Albert Heindrichs, Rainer Kleinschmidt, Heribert Leppert (T), Roswitha Petry-Hammann

09. Dezember 2018 bis 27. Januar 2019 - Zwischenräume: Gaby Terhuven und Edda Jachens

In dieser Doppelschau loten die beiden zeitgenössischen Künstlerinnen Gaby Terhuven (Düsseldorf) und Edda Jachens (Stuttgart) das Spannungsfeld von Malerei auf Glas bzw. unter Wachs aus. Trotz der Unterschiedlichkeit ihrer Materialien, Techniken und künstlerischen Ergebnisse verbindet sie die Transparenz von Farbräumen, das Spiel mit Muster und Rhythmik, das Aufzeigen von Zwischenräumen und Schwebezuständen.
Edda Jachens, 1960 in Bremen geboren, studierte in den 1980er Jahren Freie Kunst an der Muthesius-Hochschule in Kiel. Mehrere Stipendien schlossen sich an, u.a. ein DAAD Stipendium an der Central School of Art and Design in London sowie Aufenthalte in Bad Segeberg, Künstlerhaus Schloss Wiepersdorf in Sachsen, in Bremerhaven und 2007 im Künstlerhaus Edenkoben in Rheinland-Pfalz. Seit 1998 tauchen im Oeuvre der in Stuttgart beheimateten Künstlerin Arbeiten mit Paraffin auf, deren Technik sie immer weiter verfeinert hat.
Gaby Terhuven, 1960 in Oberhausen geboren, studierte Freie Malerei an der Fachhochschule für Kunst und Design in Köln. Sie hat sich mit Überblendungen, Rastern und geometrisch basierten Systemen eine eigenständige Position innerhalb der Glasmalerei erarbeitet. Mit der „en passant?“ Inszenierung ihrer Arbeiten im Kunstraum des Museums war sie bereits 2011 in Gelsenkirchen zu Gast.

11. Januar bis 8. April 2018 - Frisch restauriert! II

Auch im letzten Jahr konnten mit Hilfe von Projektförderungen Gemälde, Objekte und kinetische Kunstwerke im Museum restauriert werden. Die Resultate werden nun erneut interessierten Besuchern in der Fortsetzung der vorangegangenen Ausstellung „Frisch restauriert!“ im Schaufenster präsentiert.
Ein Museum trägt die Verantwortung für die Pflege und den Erhalt seines Sammlungsbestandes. Unabhängig davon, ob Schäden auf Alterung oder äußere Einflüsse, wie Licht, Klima oder unsachgemäßen Transport zurückzuführen sind, ist es die Aufgabe eines Restaurators, den Zustand eines Kunstwerks zu stabilisieren. Das bedeutet, es sollten so wenige Veränderungen wie möglich vorgenommen werden, um die Originalsubstanz und die Aussagekraft eines Werkes zu erhalten. Gebrauchsspuren gehören zu der Objektgeschichte dazu und sollten bewahrt werden. Deshalb müssen notwendige, konservatorische Maßnahmen idealerweise reversibel (umkehrbar) sein.
Im Schaufenster können Besucher anhand von ausgewählten restaurierten Arbeiten  diesen Prozess des Erhaltens und Stabilisierens nachvollziehen. Durch die Restaurierungsprotokolle erhalten sie einen Einblick in die sensible und spannende Arbeit von Restauratoren, die sonst vermehrt hinter den Kulissen eines Museums stattfindet. Zu sehen ist beispielsweise das kinetische Objekt „Rote Punkte auf Grün“ von Gerhard von Graevenitz, eine Schaumstoffplastik von Ferdinand Spindel, die Gemälde „Sommertag“ von Leo Putz und „Paysage d‘hiver“ von Jean Paul Riopelle sowie viele weitere frisch restaurierte Kunstwerke.
Die Restaurierung der Gemälde und des Objektes von Ferdinand Spindel wurden durch das Land Nordrhein-Westfalen im Rahmen seines Restaurierungsprogramms Bildende Kunst gefördert. Seit 2015 fördert die Wüstenrot Stiftung das Projekt „Strategien zum Erhalt und zur Präsentation der kinetischen Sammlung des Kunstmuseums Gelsenkirchen“, innerhalb dessen auch die ausgestellten kinetischen Objekte restauriert werden konnten.

29. Mai bis 30. September 2018 - Weiß, weißer, RAL9010. Weiß als Ausdrucksmittel in der Kunst

Nachdem im letzten Jahr bereits Werke aus der Sammlung gezeigt wurden, in denen die Farbe Schwarz eine zentrale Rolle spielt, widmet das Kunstmuseum Gelsenkirchen nun der „Nicht-Farbe“ Weiß eine eigene Ausstellung im Schaufenster.
Als Gestaltungsmittel ist Weiß aus der Kunst nicht wegzudenken, wurde es von Künstlern doch seit jeher als Grundierung von Malflächen, zur Mischung von Farben oder zur Darstellung von Lichtreflexen verwendet. Weiß weckt beim Betrachter positive Assoziationen wie Licht, Reinheit, Unschuld oder Vollkommenheit. So verkörpert eine weiße Taube den Frieden, Engel erscheinen als weiße Lichtgestalten und Bräute tragen in Europa traditionell weiß zu ihrer Hochzeit.
Mit der Abwendung vom Gegenständlichen in der Kunst des 20. Jahrhundert ist Farbe schließlich nicht mehr nur Darstellungsmittel, sondern wird selbst zum Bildthema: Künstler wie Kasimir Malewitsch, Yves Klein oder Lucio Fontana erschaffen monochrome (einfarbige) Bildkompositionen und experimentieren mit den Materialqualitäten von Farben, indem sie Farbauftrag, Oberfläche und Struktur variieren. Spätestens seit den 1960ern hat die Monochromie schließlich Einzug in die Kunst eingehalten und ist bis in die Gegenwart ein wichtiges Thema geblieben. Im Zuge dessen entstehen auch komplett weiße Bilder, die den Betrachter vor eine Herausforderung stellen, sieht er sich doch scheinbar mit der Leere konfrontiert. Sie erfordern eine gründliche Betrachtung will man sie in Ihrer Gänze erfassen. Oftmals vollzieht sich ihr Zugang auf einer rein emotionalen Ebene. Andere achromatische Werke spielen hingegen mit optischen Phänomen wie Licht, Schatten, Bewegung sowie Räumlichkeit und werden so für den Betrachter auch physisch erlebbar.
Die Ausstellung versammelt Gemälde und Objekte aus dem eigenen Bestand, die sich auf unterschiedliche Weise mit der Farbe Weiß auseinandersetzen und zeigen, dass Weiß trotz seiner unbunten Erscheinung vielfältig ist und durchaus komplexe Bildinhalte vermitteln kann.
Zu sehen sind u.a. Werke von Zipora Rafaelov, Stanislaw Labecki, Turi Simeti und Klaus Staudt. Als Kontrast werden eine Winterlandschaft von Willi Wewer, das „Schneewittchen“ von Günter Weseler sowie eine Auswahl der Lichtwand von Gertrud M. Viegener präsentiert.

09. Oktober 2018 bis 20. Januar 2019 - Kunst und Natur

Die Ausstellung im Schaufenster des Museums setzt sich mit dem Spannungsfeld Kunst und Natur auseinander und gibt einen Querschnitt aus dem eigenen Sammlungsbestand über mögliche Herangehensweisen an die Thematik. Seit jeher dient die Natur Künstlerinnen und Künstlern bereits als Inspirationsquelle und hat zugleich heftige Diskussionen ausgelöst: Was ist Natur? Schließen sich Kunst und Natur gegenseitig aus? Welche Rolle nimmt der Mensch zwischen diesen Polen ein? Ist Natur nicht letztendlich ein Konstrukt, das der Mensch selbst erfunden hat und aufrecht erhält?
Die Präsentation beleuchtet mit Kunstwerken von der Moderne bis heute, wie Künstlerinnen und Künstler Natur darstellen oder als künstlerisches Material verwenden. Die gezeigten Werke machen deutlich, dass die Vorstellung von Natur sich stetig wandelt und von historischen sowie kulturellen Umständen geprägt ist.
So werden in der Ausstellung verschiedene künstlerische Interpretationen zur Gattung der Landschaft nebeneinandergestellt, beispielsweise der energiegeladene „Herbstwald“ des Expressionisten Christian Rohlfs sowie eine ruhige, abstrakte Landschaft von Wilhelm Imkamp. Des Weiteren steht ein klassisch arrangiertes Blumenstillleben von Wilhelm Binroth im Dialog mit Renate Olbrichs fotografischer Umsetzung eines Stilllebens.
Alberta Pellacani und Rolf Glasmeier untersuchen mit ihren Arbeiten die materialästhetischen Qualitäten von vorgefundenen Objekten aus der Natur, während Mario Reis mit den Kräften von Wasser arbeitet, um seine Naturaquarelle zu erschaffen.
Auf Max Liebermanns Gemälde „Haus und Garten am Wannsee“ ist die berühmte Blumenterrasse zu sehen, die der Künstler in vielen Variationen malte und die stellvertretend für das Motiv des Gartens steht.
Die versammelten Werke zeigen die Vielfalt des Themas und sollen dazu anregen, über Natur und unsere persönliche Vorstellung von ihr nachzudenken. Die Zeitspanne der ausgestellten Arbeiten reicht von 1905 bis 2008.

Ausgestellte Künstlerinnen und Künstler: Paul Baum, Wilhelm Binroth, Gisela Brinkmann, Otto Eglau, Rolf Glasmeier, Wilhelm Imkamp, Max Liebermann, Helene Menne-Lindenberg, Henry Moret,  Renate Olbrich, Alberta Pellacani, Leo Putz, Mario Reis, Christian Rohlfs

2. Januar bis 25. März 2018 - Ernst Barlach

Die neue Ausstellung im Grafikkabinett des Museums widmet sich in einer Einzelausstellung dem Künstler Ernst Barlach (1870-1938). Als ein wichtiger Vertreter des deutschen Expressionismus ist Barlach insbesondere durch sein bemerkenswertes, plastisches Schaffen weltweit bekannt geworden. Neben Holzskulpturen und Bronzen fertigte er auch Zeichnungen und Druckgrafiken an.
Gezeigt werden ausgewählte Lithographien aus Barlachs Dramen „Der tote Tag“ und „Der arme Vetter“, die erstmals 1912 und 1918 im Paul Cassirer Verlag erschienen sind. Im Zentrum von Barlachs künstlerischer Arbeit steht stets die Beschäftigung mit dem Menschen und seinen inneren Befindlichkeiten sowie Konflikten. Dies spiegelt sich deutlich in der Komposition der Illustrationen zu den Bühnenstücken wider: Die Darstellung des Hintergrundes ist auf das Wesentliche reduziert, sodass das Hauptaugenmerk auf den Figuren der Szenerie liegt. Ähnlich wie bei seinen Plastiken ist die Formensprache der Figuren schlicht und kompakt, während die Gestik und Mimik ausdrucksstark ist und dem Betrachter einen Einblick in das Innere der Protagonisten gewährt.
Einprägsam sind auch Barlachs Holzschnitte in denen er die sozialen Nöte und Missstände der Bauern und Arbeiter seiner Zeit aufzeigt, wie beispielsweise seine „Knieende Frau mit sterbenden Kind“. Das Blatt zeigt eine erschöpfte Mutter, die den Hungertod des eigenen Kindes ertragen muss. Solche sozialkritischen Arbeiten sind im Kontext seiner Erfahrungen mit den Folgen des 1. Weltkrieges zu betrachten, die ihn tief berührt haben.
Daneben sind zwei weitere Holzschnitte aus der Blattfolge „Die Wandlungen Gottes“ zu sehen, die Barlachs großes Interesse für religiöse Themen bezeugen und seine stetige Suche nach Spiritualität und einem höheren Sinn im Leben jenseits des Rationalen dokumentieren.
Ergänzt wird die Grafikpräsentation durch die Bronzeplastik „Panischer Schrecken“ von 1912, deren Motiv ihm später als Vorlage für eine der ausgestellten Lithografien dienen sollte.

3. April bis 30. Juni 2018 - Hans Salentin - Collagen und Zeichnungen

Hans Salentin (1925-2009) gehörte zum Umkreis der Zero Künstler der ersten Stunde und stellte bis in die Mitte der 1960er Jahre zusammen mit der Gruppe aus. Hier zeigte er seine aus vorgefundenen Objekten zusammengesetzten, monochromen „Dachziegelreliefs“ und „Zinkblechreliefs“, die bereits seine Affinität zu dem Prinzip der Collage und den objets trouvès erahnen ließen. Auf der Suche nach neuen Ausdrucksmitteln lässt Salentin schließlich die Zerobewegung hinter sich und geht seinen eigenen künstlerischen Weg.
Zunächst noch ganz der Plastik verpflichtet erweiterte der Künstler ab den 1970ern sein Werk um Fotomontagen, Papiercollagen und Zeichnungen. Die Ausstellung im Grafikkabinett präsentiert Collagen und Zeichnungen Hans Salentins aus den 1970ern und 1980ern, die durch eine Schenkung aus Privatbesitz in die Sammlung gelangt sind. Als Ausgangsmaterial für seine Bildcollagen dienten ihm Motive aus technischen Zeitschriften, die er zerschneidet, miteinander kombiniert und verfremdet, sodass neue Objekte und Strukturen mit zum Teil technoiden Charakter entstehen. Die so gestalteten Papiercollagen ergänzt er mit zeichnerischen Elementen in Aquarell- oder Gouachetechnik. Während die Collagen noch die Nähe zum Gegenständlichen bewahren, überwiegt in seinen Zeichnungen die Abstraktion, die durch ihre dynamischen und ausladenden Linienführungen in kräftiger Farbigkeit auch expressive Tendenzen im Werk des Künstlers spürbar werden lassen.

10. Juli bis 2. September 2018 - Das Unheimliche

In der aktuellen Ausstellung im Grafikkabinett werden Porträts, Landschaften, aber auch abstrakte Kompositionen aus dem eigenen Bestand zum Phänomen des Unheimlichen in der Kunst versammelt. Präsentiert werden Künstler vom Beginn des 20. Jahrhunderts bis hin zu zeitgenössischen Positionen, die das Thema aufgreifen und auf ihre ganz eigene Art und Weise interpretieren.
Etwas wirkt unheimlich auf uns, wenn es ein unbestimmtes Gefühl der Furcht, Bedrohung oder auch Irritation in uns auslöst, wie zum Beispiel eine verlassene Gasse in der Nacht. In der Kunst tritt das Unheimliche schon immer auf vielfältige Weise auf, beispielsweise in der Gestalt von Höllendämonen auf apokalyptischen Darstellungen des Mittelalters oder als furchterregende Fabelwesen in Johann Heinrich Füsslis Gemälden.
Eine besonders intensive künstlerische Beschäftigung fand die Thematik durch die Symbolisten im ausgehenden 19. Jahrhundert: In Zeiten des wissenschaftlichen Fortschritts versuchten sie einen Gegenentwurf zur vernunftgeprägten Welt zu erschaffen, indem sie irrationale Themen wie Träume, das Unterbewusstsein, Tod, Übernatürliches und menschliche Ängste visualisierten, um so der Wirklichkeit entfliehen zu können.
1919 veröffentlichte Sigmund Freud sein Essay über „Das Unheimliche“ in dem er schlussfolgert, dass der Mensch letztlich das als unheimlich wahrnimmt, was ihm ursprünglich vertraut war, aber von ihm ins Unterbewusstsein verdrängt wurde und nun entfremdet wieder auftaucht. Kunstwerke erhalten folglich nicht nur durch schauerhafte Gestalten wie Skelette oder Dämonen ihre unheimliche Wirkung, sondern selbst vertraute Szenen wie eine einsame, dunkle Waldlandschaft können durch ein befremdliches Detail Urängste wie beispielsweise die Furcht vor Dunkelheit und Isolation provozieren. Letztendlich ist das Unheimliche jedoch stets auch subjektiv und von den individuellen Erfahrungen des Betrachters abhängig.
Die Ausstellung "Das Unheimliche" zeigt Werke von Alfred Kubin, Käthe Kollwitz, Ernst Fuchs, Hans Otto Schönleber, Alois Kolb, Werner Kubink, Nino Malfatti, Reinhard Pfaehler von Othegraven, Walter Dahm, Langenfeldt, Rudolf Weissauer, Hubert Berke und Franz Marten

11. September bis 11. November 2018 - Linien in Bewegung
Arbeiten auf Papier von Max Slevogt zum 150. Jubiläum

Zum 150. Geburtstagsjubiläum widmet das Kunstmuseum dem deutschen Impressionisten Max Slevogt (1868-1932) eine Präsentation im Graphikkabinett. Im Bereich der Malerei insbesondere für seine stimmungsvollen Landschaften geschätzt, besteht sein graphisches Ouevre zum Großteil aus Illustrationen zu Werken aus Literatur und Musik. Daneben entstehen Alltagsszenen und Porträts.
Seine bevorzugte Drucktechnik, die Lithographie ermöglichte ihm das skizzenhafte sowie unmittelbare Einfangen von Eindrücken auf die Platte direkt vor dem Motiv. Mit nur wenigen schwungvollen Strichen verstand Slevogt es, das Wesentliche eines Moments festzuhalten. Trotz der zurückgenommenen Komposition erhalten die dargestellten Szenen eine besondere Lebendigkeit und Dynamik. Dies ist beispielsweise in den „Rennskizzen“ (1911) von der Berliner Trabrennbahn spürbar: Muskulöse Pferdekörper in nur wenigen Strichen ausgeführt, die von ihrem Reiter befeuert über die Rennbahn galoppieren. Die Umgebung ist, wenn überhaupt nur schemenhaft angedeutet, der Schwerpunkt liegt auf den sich bewegenden Körpern von Reiter und Tier. Die Energie und Kraft der Tiere ist für den Betrachter greifbar.
Ausgestellt sind außerdem Illustrationen zu literarischen Stoffen wie die „Achill“-Folge (1907) nach der Ilias von Homer und „Lederstrumpf“ (1909) nach der Indianererzählung von James F. Coopers. Auch hier ist Slevogts Vorliebe für dramatische Handlungen und Figuren in Bewegung erkennbar.
Die Ausstellung versammelt Arbeiten aus dem eigenen Grafikbestand sowie zwei Dauerleihgaben und gibt sowohl Einblicke in die illustrative Arbeit, als auch in das freie Gestalten des weltberühmten Künstlers.

13. November 2018 bis 13. Januar 2019 – Blick in den Himmel – Wolkendarstellungen und Gestirne in der Kunst

Der Anblick des Himmels hat die Menschheit zu allen Zeiten fasziniert. Himmelskörper wie Sterne, Sonne oder Mond dienten dem Menschen zur Zeitmessung und als Hilfsmittel zur Navigation. Ihnen werden bis in die heutige Zeit besondere Kräfte zugesprochen und sie sind Gegenstand zahlreicher übernatürlicher Geschichten und Mythen. In religiösen und mythologischen Vorstellungen ist der Himmel der Sitz der Götter. Durch die stetige Weiterentwicklung der Astronomie gewann der Mensch immer mehr Kenntnis über die Gestirne und das Universum, sodass vermehrt auch das naturwissenschaftliche Interesse am Himmel in den Mittelpunkt rückte. Auch Künstlerinnen und Künstler ließen sich seit jeher vom Firmament inspirieren. Die neue Ausstellung im Grafikkabinett widmet sich künstlerischen Darstellungen des Himmels und von Himmelskörpern von der Moderne bis zur Gegenwart.
Zu sehen sind unter anderem atmosphärische Nachtlandschaften, auf denen sich das Licht des Mondes im Wasser spiegelt oder Polarlichter, welche die Nacht erhellen. Andere Künstlerinnen und Künstler erforschen das Phänomen der Wolken oder des Lichts, das durch die Wolkendecke bricht. Der Stern von Bethlehem weist den Weg zum Geburtsort Jesu und versinnbildlicht die Vorstellung von Himmelserscheinungen als Vorzeichen religiöser Ereignisse. Die Ausstellung macht deutlich, dass die künstlerischen Interpretationen der Thematik so vielfältig sind wie die Farben und die Erscheinung des Himmels selbst.
Im Grafikkabinett ausgestellt sind u.a.: Rudolf Schulte im Hofe, Georg Meistermann, Karl Schmidt-Rottluff, Hisau Chin, Friedrich Einhoff, Alfred Kubin, Eduard Bischoff

01. Februar bis 18. März 2018 - „Ge(h)danken Vorgänge“

Mit dem Titel „Ge(h)danken Vorgänge“ zeigt das neue Video Ausschnitte aus einem Performance-projekt, das Ende 2017 unter anderem in der kinetischen Sammlung des Kunstmuseums stattfand.
Es ist eine Performance des Consol Theaters mit Bürgerinnen und Bürgern 55+ der Volxbühne.
Die Projektidee hieß „Gehen im Kopf und Denken mit den Beinen“. Wer geht, löst sich aus der Erstarrung. Die Zeit fließt dahin im Rhythmus des Gehens, im Verlauf des Tages. Vieles liegt außerhalb der bewussten Wahrnehmung, doch wir leben ständig in Verbindung mit Spuren, Pfaden, Orten – wir gehen ständig hin und her, unterschiedlich schnell, zielstrebig, selten rückwärts, manchmal weit.
Wir sprechen von Aufbruch und pendeln zwischen Vergangenheit und Zukunft.
Die Performance spielt mit unterschiedlichen Perspektiven auf das menschliche Gehen als elementare Raumerfahrung.

Künstlerische Leitung: Barbara Cleff | Dramaturgie: Georg Kentrup

10. Juni bis 2. September 2018 - CALM DOWN: Sebastian Dannenberg
"open up" - Kunst, Technologie, Innovation, Teil V - Eine Reihe des Kunstvereins Gelsenkirchen e.V.

Eine räumliche Intervention von Sebastian Dannenberg in der Reihe "open up" des Kunstvereins Gelsenkirchen e.V. Die Arbeit thematisiert die Architektur des Raums mit Hilfe von scheinbar lapidarer gestischer Malerei.
Dannenberg, 1980 in Bottrop geboren, hat in den letzen Jahren viele Arbeiten in situ realisiert, unter anderem in der Bundeskunsthalle, dem Folkwang Museum oder der Kunsthalle Recklinghausen, und seine Raumerfahrung. Seine improvisiert wirkenden Eingriffe sind präzise Setzungen, um die Raumwahrnehmung der Betrachterinnen und Betrachter zu sensibilisieren. Er zeigt mit seinen Werken besondere Fehlstellen oder Besonderheiten im Ausstellungsraum auf. Er hat an der AdBK Karlsruhe bei Leni Hoffmann und an der HFK Bremen bei Stephan Baumkötter studiert. Dannenberg hat bereits diverse Einzel- und Gruppenausstellungen in Deutschland und im europäischen Ausland realisiert.
CALM DOWN besteht aus vorgefertigten Paneelen, die mit Fassadenfarbe gestrichen sind. Diese werden in Innen- und Außenraum platziert und in situ mit Kohlestreifen markiert. Die lose Anordnung und die teilweise Überlappung und Überschneidung der Holzteile, erinnert an Improvisation, ein Display entsteht, der Kohlestreifen wird exponiert. Der Künstler spielt mit dem Eindruck der Beliebigkeit, die bodennahe Arbeit gibt Raumbewegung und Blickrichtungen vor. CALM DOWN bespielt Innen und Außenraum gleichermaßen und versucht, die Trennung durch die bodentiefen Fenster zu konterkarieren. Der Kohlestreifen kann als Transfer zur Kohlevergangenheit des Ruhrgebietes gelesen werden. Die losen, nur aneinander gelegten Platten erscheinen analog zu geschlossenen Flözsystemen tief unter den Kellern der Stadt. CALM DOWN lenkt den Blick auf den Boden des Ausstellungsraumes, den Blick nach unten, den Blick zurück in die industrielle Vergangenheit der Region. CALM DOWN erscheint wie eine erstarrte Handlung, der manuelle Abrieb der Kohle, das diffuse Arrangement des Displays. Die Arbeit entsteht exklusiv für den Kunstraum im Museum innerhalb der "open up"-Reihe des Kunstvereins Gelsenkirchen e.V. Der Künstler greift auf bereits vorhandene visuelle Strategien seines Werkes zurück, um sie mit neuen zu kombinieren.

8. Juli bis 9. September 2018 - „Flussziege“ - Begleitausstellung zum „Kunst am Baum“-Projekt von Reinhard Osiander - Kunstverein Gelsenkirchen e.V. 

Im kleinen Museumsfoyer, dem Bereich vor der Kinetikabteilung, findet einmal im Jahr die Begleitausstellung zum langjährigen Außenprojekt des Kunstvereins Gelsenkirchen e.V. „Kunst am Baum“ statt. In Vorbereitung ist der 26.Standort für die künstlerische Gestaltung eines gefällten Baumes im Skulpturenpark der Berger Anlagen an der Adenauerallee. Eingeladen ist der in Bremen lebende Bildhauer Reinhard Osiander, der zwei lebensgroße Figuren auf einer zweiteiligen Esche im Skulpturenpark Schloß Berge präsentieren will.
Im Kunstmuseum zeigt er neben vorbereitenden Projektskizzen zur „Flußziege“ betitelten Skulptur einen Einblick in sein künstlerisches Schaffen.

23. September 2018 bis 13. Januar 2019 - Kinetische Klanginstallation „Manchmal, wenn ich träume, kann ich fliegen“: Rolf Stahr

Auf Einladung des Kunstmuseums Gelsenkirchen zeigt der in Münster ansässige Bildhauer Rolf Stahr seine multimediale Inszenierung "Manchmal, wenn ich träume, kann ich fliegen".
Die kinetische Klanginstallation besteht aus schwingenden Stahlelementen, schwebenden Drahtfiguren und sphärischen Klängen: Ein Wald aus Stahlelementen und horizontal schwebenden Stäben. Hindurch bewegen sich scheinbar schwerelos, transparente, schemenhafte Figuren aus Draht.
Eine Komposition aus Geräuschen, sphärischen Klängen, von einem sehr ruhigen Herzschlag untermalt, versetzt die Stäbe in schwingende Bewegung. Die Geräusche suggerieren Ereignisse, teils ruhige Alltagssituationen, teils bedrohlich verstörende Momente. Der Herzschlag jedoch bleibt ruhig und verweigert sich der Angst vor dem Unbekannten.