www.gelsenkirchen.de

16.02. - 08.05.2016 - So traurig war das shooting - Eine Ausstellung der Klasse Aernout Mik

15 KünstlerInnen präsentieren aktuelle Arbeiten im Kunstverein Gelsenkirchen. In den Medien Video, Installation, Zeichnung und Malerei erkunden sie ihre Gegenwart. In all ihrer Raffinesse sind die gezeigten Werke künstlerische Medienreflexion und Gegenwartsanalyse zugleich. Dies lässt sich nicht auf eine einheitliche Formensprache reduzieren, sondern zeigt sich in der Heterogenität der 15 künstlerischen Positionen, in ihrem scharfen Blick für Brüche und gemeinsamen Interesse am Alltäglichen, Skurrilen, Peripheren oder Unterdrückten. Ideologiekritik ist Wahrnehmungsschule. 

Künstler: Sujin Bae, Chao-Kang Chung, Niklas Fischer, Nicola Gördes, Alina Inserra, Minkyung Kim, Daphne Klein, Jonathan Lemke, Zauri Matikashvili, Silke Schönfeld, Mikołaj Sobczak , Jana Kerima Stolzer, I-min Tsao, Manuel Allmenröder, Hye In Han. Kuratiert von Thorsten Schneider

05.06. – 07.08.2016 - Anton Stankowski – Ohne Malerei kann man nichts erfinden

Anton Stankowski (1906 – 1998) gehört zu den wegbereitenden Grafikdesignern des 20.Jahrhunderts. In seinem umfangreichen Werk hat er alle Bereiche der visuellen Kommunikation bearbeitet. Doch Stankowski war vieles mehr: Maler, Grafiker, Zeichner, Fotograf und unermüdlicher Ideenfinder. Besonders am Herzen lag ihm die Einheit von freier und angewandter Kunst, die er stets gleichberechtigt in seinem Schaffen behandelte.
Im Fokus der neuen Ausstellung, die mit über 100 Exponaten alle drei Etagen der Alten Villa beansprucht, liegt nun das malerische Oeuvre Stankowskis. „Ohne Malerei kann man nichts erfinden“, lautete ein Credo des Künstlers, in dessen Nachlass in Stuttgart sich immer noch über 700 Bilder befinden. Mit Werken aus den frühen 1950er Jahren über die Hochzeit der 1970 und 1980er Jahre bis hin zum Spätwerk bis kurz vor seinem Tod wird erstmals ein derart umfassender Überblick über die Malerei Stankowskis geboten. Dabei sind es insbesondere die in Serien oder Werkreihen angelegten Leinwandbilder, die faszinierend und typisch sind für Stankowskis Arbeitsweise. Die Ausstellung - von der Museumsdirektorin Leane Schäfer eigens für das Kunstmuseum Gelsenkirchen konzipiert - wurde durch die enge Kooperation und die großzügigen Leihgaben aus der Stankowski-Stiftung in Stuttgart ermöglicht.

02.09. – 01.11.2016 - Raum + Objekt, Teil XIII – ZeitRaum

Eindringen, aufladen,– was auch immer ein Körper bewirkt, wenn er in Beziehung zu seiner Umgebung gesetzt wird: Es ist ein spannender Ausgangspunkt für die künstlerische Aufarbeitung von allem, was den Menschen samt seine Sinne am Leben hält. Bereits zum 13. Mal versammelt der Kunstverein Gelsenkirchen zeitgenössische Objekt- und Installationskünstler unter dem Dach der Alten Villa. 

Künstler: Jáchym Fleig (Schönberg), Thomas Gerhards (Münster), Vera Lossau (Düsseldorf), Vanessa Niederstrasser (San Francisco), Tobias Nink (Duisburg), Anne-Katrin Puchner (Düsseldorf) und Eva-Maria Raab (Wien)

27.11. – 19.01.2017 - Different Echoes

Die sechs zeitgenössischen Künstler Nikola Dimitrov, Friedhelm Falke, Ekkehard Neumann, Sigrún Ólafsdóttir, Annette Wesseling und Elly Valk-Verheijen hatten sich 2015 zu einer temporären Ausstellungsgruppe zusammengefunden. Übergreifende Intention ist die künstlerische Auseinandersetzung dargestellter Suggestion von Bewegung und Ruhe in der Fläche und im Raum in unterschiedlichen Gattungen. 

Künstler: Nikola Dimitrov (Köln), Friedhelm Falke (Köln) und Annette Wesseling (Köln), Ekkehard Neumann (Münster), Sigrún Ólafsdóttir (Saarbrücken/Reykjavik) und Elly Valk-Verheijen (Lünen/Dortmund).

05.06. - 07.10.2016 - Die befreite Form. Konkrete Kunst ohne Rahmen

Die konkrete Kunst sucht nach einem künstlerischen Ausdruck jenseits der reinen Abbildung der visuellen Wirklichkeit, in der Formen und Farben weder einen bildnerischen noch einen symbolischen Wert haben, sondern für sich stehen. Linie, Fläche, Farbe und Form werden zu Eigenwerten des Kunstwerks. Bei einigen Künstlern befreit sich die Form gar aus der Rahmung und wird zum eigenständigen Bildträger oder zur Skulptur. Dreiecke, Rechtecke, Linien und weitere geometrische Formen sind nicht länger auf eine Leinwand appliziert, sondern sind eigenständige Kunstwerke. So entstehen eigenständige Formkonzepte, die die Möglichkeiten der konkreten Kunst befragen und erweitern. 

Künstler: Karl Duschek, Horst Kuhnert, Frieder Kühner, Marcel Floris, Karl Gerstner, Rainer Tappeser, Imre Kocsis, Adolphe Lechtenberg, Ingo Glass und Anton Stankowski.

19.10. – 17.02.2017 - Landschaften des Impressionismus

Das Licht und seine Wirkung sind zentral für die Maler des Impressionismus. Farben verstehen sie dabei als Träger des Lichts, daher finden sich häufig helle und leuchtende Farben in den Gemälden. Die Landschaftsmalerei bekommt im Impressionismus einen besonderen Stellenwert, lässt sich das Licht hier doch besonders gut darstellen. Um das Spiel von Licht und Farbe und den unmittelbaren Eindruck einzufangen, malten die Impressionisten ihre Landschaften nicht länger im Atelier, sondern direkt in der freien Natur. Auch der formale Aufbau der impressionistischen Gemälde entfernt sich vom bisher Dagewesenen: Das Augenblickliche soll eingefangen werden und bedeutet auch den Verzicht auf einen starren Aufbau und einen vermeintlich zufälligen Bildausschnitt. 

Künstler: Lovis Corinth, Auguste Herbin, Julius Seyler, Maxime Maufra, Maria Caspar-Filser, Henri Charles Manguin, Max Slevogt

02.02. - 10.04.2016 - Das künstlerische Ich – Selbstbildnisse im Grafikkabinett des Kunstmuseums

Das Selbstbildnis ist eines der zentralen Themen der Kunst mit einer Tradition, die bis in die Renaissance reicht. Fast jeder Künstler hat sich selbst porträtiert und sich so mit seinem Selbst auseinander gesetzt. Diese Beschäftigung geht jedoch meist über die alleinige Feststellung der Physiognomie hinaus, vielmehr bietet das Selbstporträt eine Möglichkeit der Persönlichkeitsstudie oder einer gezielten Selbstinszenierung.
Das Kunstmuseum Gelsenkirchen hat nun für sein Grafikkabinett zehn Selbstporträts aus der eigenen grafischen Sammlung ausgewählt. Sie zeigen künstlerische Auseinandersetzungen mit dem Selbstverständnis von Künstlerinnen und Künstler der klassischen Moderne. Indem Käthe Kollwitz beispielsweise Haar und Hals in ihrem Porträt weggelassen hat, konfrontiert sie den Betrachter unmittelbar mit dem fragenden Ausdruck ihres Gesichts. Hermann Peters stellt sich 1915 als Soldat dar, den Kopf schwer in die Hand gestützt, die Last des Krieges scheint sich in seinem Gesicht niedergeschlagen zu haben. Auch Max Beckmanns Antlitz, das er 1950 kurz vor seinem Tod zu Papier brachte, ist vom Leben gezeichnet. Tiefe Falten durchziehen das Gesicht und der strenge Blick des Künstlers ruht auf dem Betrachter. Ganz anders wirft Lovis Corinth den Blick zurück: Er stellt sich, ebenfalls gegen Ende seines Lebens, als Schaffender dar. Mit Stift und Papier in der Hand, scheint er, sich selbst porträtierend, in den Spiegel zu schauen und wirft so gleichzeitig den Blick auf den Betrachter. Auch Oskar Kokoschka präsentiert sich als
Künstler: In seinem Atelier macht er Schattenspiele und zeichnet so, ganz ohne Stift, einen Hasen an die Wand. Er inszeniert sich somit als kreativer und  gleichzeitig schelmischer Schöpfer. Dora Brandenburg-Polster stellt sich in einer bunten Verkleidung mit einem Papagei auf der Schulter dar. Diese Farbigkeit spiegelt sich jedoch nicht in ihrem traurigen Blick. So zeigt sie das Bild einer zerrissenen Frau.
Gerade angesichts des Massenphänomens Selfies scheinen die Selbstporträts der Künstler aktuelle denn je. Denn täglich wird das schnelle Selbstbild zur Inszenierung, aber auch zum Selbstspiegel genutzt.

12.04. - 04.07.2016 - Heimat - Ruhgebiet. Arbeiten auf Papier aus der Sammlung

Der Bergbau und die Schwerindustrie prägten das Ruhgebiet bekanntermaßen nachhaltig. Diese Veränderungen der Lebenswelt wurden selbstverständlich auch von Künstler adaptiert. Hochöfen. Schlote, Halden und neu Verkehrswege wurden zu ihren Motiven. Das Kunstmuseum zeigt in seiner neuen Präsentation im Grafikkabinett Zeichnungen, Aquarelle, Fotografien und Druckgrafiken von Künstlern aus dem Ruhrgebiet, die Zeugnis vom industriellen Wandel einer Landschaft geben. Gleichzeitig sind diese Grafiken und Fotografien auch Auseinandersetzungen mit einem Heimatbegriff, der sich verändert hat, und immer noch verändert.

Gezeigt werden Arbeiten von: Philipp Schroeder, Wolfgang Heimbach, Hans Rahn, Hubert Nietsch, Magarete Franke, Anton Stankowski, Ilse Pässler, Günter Tollmann, Friedrich Einhoff u.a.

14.07. - 18.09.2016 - Fern der Heimat - Arbeiten auf Papier zum Thema Flucht

Weltweit befinden sich derzeit über 60 Millionen Menschen auf der Flucht. Neben Kriegen, Terror und Verfolgung sind es insbesondere auch Armut und Hunger, die Menschen dazu zwingen ihre Heimat zu verlassen. Spätestens seit dem vergangenen Jahr mit dem Einsetzen der Flüchtlingsströme aus Syrien nach Europa ist das Thema Flucht medial und politisch allgegenwärtig. Das Kunstmuseum greift in seiner neuen Ausstellung im Grafikkabinett die Fluchtthematik auf und versammelt Werke von Künstlern aus der eigenen Sammlung, die sich auf unterschiedliche Weise künstlerisch mit dem Thema Flucht und Flüchtlinge auseinandergesetzt haben.
Heinrich Wilthelms Darstellung der Flucht nach Ägypten veranschaulicht, dass bereits in der Bibel über Flüchtlinge berichtet wird: Josef und Maria fliehen vor König Herodes nach Ägypten, um das Leben Jesu zu schützen. Andere Künstler wie Eduard Bischoff oder Heinrich Vogeler verarbeiten in ihren Bildern hingegen ihre ganz persönlichen Erfahrungen. Bischoff wurde 1945 selbst aus seiner Heimat Ostpreußen vertrieben und schildert in seinen Holzdrucken eindrucksvoll das Leid und die Strapazen, welche die verzweifelten Menschen während der Reisen auf sich nehmen mussten. Vogelers Arbeiten sind Zeugnisse seines Militärdienstes an der Ostfront im Ersten Weltkrieg und zeigen menschenleere Dörfer sowie rastende Flüchtlingstrecks.
Ob dokumentarischer Charakter, religiöse Adaption oder Aufarbeitung der Vergangenheit: allen gezeigten Künstlern gelingt es, das leidvolle Motiv der Flucht glaubwürdig darzustellen und so die Brisanz und den Schrecken des Sujets für den Betrachter visuell erfahrbar zu machen.

23.09. - 27.11.2016 - Helene Menne-Lindenberg – Landschaften der Phantasie

Menne-Lindenberg war Gründungsmitglied des Bunds Gelsenkirchener Künstler und prägte das kulturelle Leben der Stadt bis zu Ihrem Tod. Ihr Werk beinhaltete  Gemälde, Zeichnungen und Linolschnitte, wobei die Technik des Tempera einen Großteil dessen ausmacht. Im Kunstmuseum werden nun Arbeiten Menne-Lindenbergs von den Anfängen an der Akademie, über neue Bildfindungen in den 1950er Jahren bis hin zu expressiven Landschaften der späteren Jahre gezeigt. Diese sind in intensiven Farben komponiert und loten die Stimmung der unterschiedlichen Landschaften aus. Ihre zahlreichen Reisen ins Tessin und nach Italien, später dann nach Frankreich, Spanien, Belgien, die Niederlande und Österreich beeinflussten ihr Werk und dessen Farbigkeit nachhaltig. Aber auch zentrale Erlebnisse ihrer Biographie, wie das ausgebombte Berlin, die sie als Studentin miterlebte, setzte die Gelsenkirchener Künstlerin wirkungsvoll in Szene. In einem Temperabild von 1955 nimmt sie den Betrachter bei einem Sonntagsspaziergang am Schloss Berge mit in das Gelsenkirchen der 1950er Jahre. Der Ausdruck ihres eigenen Seherlebnisses und die Teilhabe des Betrachters war Ziel ihrer Malerei.
Die Präsentation der Arbeiten Menne-Lindenbergs im Kunstmuseum Gelsenkirchen ist gleichzeitig Anlass für die Präsentation eines von der Tochter der Künstlerin zusammengestellten Werkverzeichnisses zum Schaffen der Künstlerin.

30.11. - 05.02.2017 - Oskar Kokoschka: Oh Ewigkeit Du Donnerwort

Das Libretto der Kantate „Oh Ewigkeit Du Donnerwort“ von Johann Sebastian Bach inspirierte Oskar Kokoschka zu elf Lithografien, mit denen er Versuchte den Schmerz angesichts der Trennung von Alma Mahler, der femme fatal der Wiener Kunstszene, zu bewältigen. In seiner sehr eigenen expressionistischen Formensprache verarbeite er den Dialog von Angst und Hoffnung der Kantate. Sich selbst stellt der Künstler dabei in der Rolle der Hoffnung, Alma Mahler in der der Angst dar. Die elf Grafiken zeigen dabei das Hin- und Hergerissen sein der Beziehung zu Mahler, die Kokoschka immer noch beschützen möchte, und unter der er gleichzeitig leidet und an deren Scheitern er sich die Schuld gibt.
Kokoschka greift in seinen Lithografien nicht so sehr den genauen Wortlaut auf, sondern vermittelt viel mehr die Stimmung, die die Kantate, der ein Kirchenlied zugrunde liegt, das eindringlich die Schrecken und Qualen des Jüngsten Gerichts beschreibt. Im Grafikkabinett des Kunstmuseums Gelsenkirchen ist nun die gesamte Mappe Kokoschkas, begleitet mit der Musik Bachs, zu sehen.

13.04. - 05.10.2016 - Sven Piayda: Puddle

Mit dem Video Puddle (2014, PAL, sound, 3'00" (loop)) von Sven Piayda leitet das Kunstmuseum Gelsenkirchen seine neue Reihe Gästezimmer ein. Auf dem Museumsvorplatz, gegenüberliegend der Alten Villa findet sich ein kleiner, nur 2,5 m2  großer Raum, der dem Museum zwar angegliedert ist, jedoch die Besonderheit aufweist, nur von außen, das heißt nicht vom Museum direkt zugänglich zu sein. Die einzige Tür ist zugleich das einzige Fenster des Raumes. Damit ist der Raum jederzeit einsehbar und nimmt unmittelbar Bezug zum urbanen Außenraum auf.
Ausgehend von dieser Situation beginnt diese neue Reihe des Museums mit einem Video, das sich auf dieses urbane Umfeld einlässt. Im Video des Mülheimer Künstlers, sieht man eine Pfütze, in die nach wie vor Regen tröpfelt. Diese befindet sich offensichtlich im städtischen Raum: Füße laufen durch sie hindurch, andere Füße schreiten an ihr vorbei, erzeugen durch ihre Spiegelung ein ganz neues Bild und ein Kind nutzt sie ausgiebig zum Durchkreuzen mit seinem Laufrad. Damit nimmt Puddle unmittelbar Bezug zu dem, was vor dem Museum passiert, was die Besucher, Spaziergänger, Vorbeieilende und Verweilende im Stadtraum erfahren. Das im Loop gezeigte Video macht die Stadt selbst zum Medium der Auseinandersetzung. Ein scheinbar alltägliches Bild – Regen der in eine Pfütze tröpfelt – ermöglicht einen neuen Blick. Durch den ungewöhnlichen Bildausschnitt einer Pfütze wird die Stadt verfremdet. Piayda fängt hier ein Bild ein, das die Umgebung wiederspiegelt  und gleichzeitig verfremdet, um so neue Blicke zu erzeugen. Die gedankliche Spieglung des Wetters erzeugt zudem einen großen Reiz: Das Video ist im Gästezimmer ausschließlich von außen, also in direkter Einwirkung des Wetters zu betrachten. Es könnte also die gleiche Situation entstehen und es regnet, oder aber die Sonne scheint, und die Pfütze ist nur eine Erinnerung.
In der Ausstellungssituation dieses speziellen musealen Raumes entwickelt die Pfütze somit eine spezielle Poesie, die den Betrachter aufmerken lässt und einen neuen Bezug zum urbanen Umfeld schafft.

25.10.16 - 03.04.2017 - Johanna Reich: Signs of a City

Die Arbeit der Kölner Künstlerin Johanna Reich steht in unmittelbarem Bezug zum urbanen Raum. Eine weiße Leinwand wird durch eine Großstadt getragen. Dabei fängt die leere Fläche Schatten von Straßenschildern, Lampen und anderem städtischem Inventar ein: im Moment, in dem ein Schatten auf die leere Leinwand fällt, wird die Leinwand nicht nur in ein Gemälde transformiert, sondern zugleich in eine Projektionsfläche, auf der sich ein Schwarz-Weiß Film abzeichnet, der nach wenigen Sekunden wieder verschwindet.
Die Videoarbeit macht den urbanen Raum in einer neuen Weise sichtbar. Die nur durch ihre Schlagschatten auf der Leinwand sichtbar werdenden Stadtmöblierungen und Bäume erhalten eine neue Aufmerksamkeit und neue Ästhetik. Auf die Leinwand gebannt  sind sie für kurze Momente Gemälde, bevor sie sich wieder in den städtischen Raum integrieren. Somit wird zugleich die Frage nach der weißen Leinwand, auf der alles möglich zu sein scheint, gestellt, und die Bedeutung von Kunst im öffentlichen Raum thematisiert; sind die Leinwände im Moment des Beschattetseins doch flüchtige Kunstwerke im urbanen Umfeld und für jeden zugänglich.

24.04. - 19.06.2016, verlängert bis 03.07.16 - Open up III – white open

Jennifer López Ayala versteht sich als interdisziplinäre Künstlerin, die jedes Genre genauestens mit der Frage nach der Bildfindung und der Bildauflösung untersucht, wobei außergewöhnliche Übergänge und Transformationen entstehen. So inszeniert sie malerisch mit bis zu 100.000 zerbrochenen Eierschalen die Farbe Weiß. Dabei greift sie das optische Phänomen der flimmernden Weiß-Nuancen auf, die in jenem magischen Moment entstehen, in dem das Licht auf die zerbrochenen Kanten der Eierschale trifft – ein Moment, der einen pointilistischen Umgang mit Licht in der Malerei aufgreift und ihn in eine neue Form der Raummalerei überführt.
Ausgehend von ihren Rauminstallationen erforscht Jennifer López Ayala in ihren Fotografien eine weitere Möglichkeit dieses Umgangs mit Licht. Hierzu belichtet sie die zerbrochenen Eierschalen in variablen Größen und Strukturen auf unterschiedliche Oberflächen oder lässt das Licht im Negativ durch die feinen Bruchstellen der Eierschalen hindurch magisch aus dem Hintergrund leuchten.

16.09. – 13.11.2016 - Detlef Beer – ROT - Zeichnungen und Malerei

Ab Mitte September 2016 stellt sich der in Bonn lebende Künstler Detlef Beer (53) erstmals in dieser Region mit seinem Werk vor. Im Kunstraum erwartet den Besucher eine eigens für diesen Raum konzipierte Installation von neuen ROT-Zeichnungen. Auf kleinem Papierformat wird Beers Thema in 65 Varianten aufgezeigt.
Darüber hinaus werden einige Beispiele seiner großformatigen Ölbilder ausgestellt. Rote, meist symmetrisch in die Formatmitte gesetzte Formen aus Kreisflächen und Rundungen scheinen sich aus den Bildern heraus in den Raum zu entwickeln. Das liegt auch an den in lockeren, mit breiten Pinselschwüngen gemalten lasierenden Bahnen in Weißgrau, die den Fond für die exakt gemalten roten Formen bilden.