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17. Februar 2017 bis 30. April 2017 - Studierende und Lehrende der HBK Essen. Die Hochschule der bildenden Künste Essen stellt sich vor

Teilnehmende: Prof. Carsten Gliese, Prof. Milo Köpp, Prof. Yevgeniya Safronova, Prof. Stephan Paul Schneider, Prof. Nicola Stäglich, Prof. Thomas Wrede, Rebekka Alijah-Aydin, Andre Bagh, Tanja Bremer, Ruben S. Bürgam, Britta Frechen, SungHee Kim, Ana Gropp-Kondić, Sebastian Luty, Gaby Marquardt, Steffen Meister, Annette Piscantor, Meike Poese, Julia Priss , Gabi Rottes, Jens Thörner, Simon Tretter, Marius Wezorke und Sungho Woo

14. Mai 2017 bis 6. August 2017 - WestFarbe. Paint vs. colour

In Westeuropa hat sich in den 1970er und 1980er Jahren im Gegensatz zur asiatischen Kultur in der Malerei eine Strömung entwickelt, bei der Künstler sich auf analytisch orientierte Weise mit den Bedingungen der Malerei, dem Prozess des Malens und der Materialität der Malsubstanzen beschäftigten. Das Wort Farbe wird im Deutschen sowohl für die Begrifflichkeit der Farbigkeit als auch für das Malmaterial verwendet. In der englischen Sprache wird dagegen colour von paint unterschieden.Die Ausstellung will etablierte Positionen, die bereits im letzten Viertel des 20.Jahrhunderts präsent waren, mit relativ jungen zeitgenössischen Tendenzen dieser Thematik kombinieren. Es werden Künstler aus mehreren Nationen vertreten sein, die diese in den 1980ern entstandenen Ansätze weiterverfolgen und entwickeln.

Künstlerinnen und Künstler: Steven Aalders, Christophe Baudson, Christoph Dahlhausen, Michael Graeve, Katharina Grosse, Marcia Hafif, Leni Hoffmann, Callum Innes, Noel Ivanoff, Andreas Keil, Joseph Marioni, Tomasz Milanowski, Simon Morris, Frank Piasta, Léopoldine Roux, Martijn Schuppers, Elisabeth Sonneck, Rainer Splitt, John Tallman, David Thomas, Günter Umberg, Ulrich Wellmann und John Zinsser

3. September 2017 bis 5. November 2017 - Raum und Objekt XIV. KUNSTstoff - TextilART

Die Ausstellung KUNSTstoff – TextilART widmet sich KünstlerInnen, die großformatige Werke oder Installationen mit textilen Materialien erarbeiten. Dabei kommen selbst gewebte Stoffe, Secondhand-Kleidung, Industrietextilien oder chemisch veränderte Stoffe zum Einsatz. Deren Eigenschaften reichen von fragiler Transparenz über vielschichtige Strukturen bis hin zu unübersehbarer Leuchtkraft zäher Stofflichkeit.

Allen künstlerischen Positionen ist die Faszination an den scheinbar unendlichen Möglichkeiten des Materials gemein, die aufgespürt, ausgereizt und bis an ihre Grenzen genutzt werden.

Künstlerinnen und Künstler: Jens J. Meyer, Ulli Böhmelmann, Reinhold Engberding, Alexandra Deutsch, Daniela Bergschneider und Andrea Ostermeyer

26. November 2017 bis 28. Januar 2018 - Ohne Pinsel. Malerei von Peter Reichenberger

Der Wahlkölner Peter Reichenberger (1945 bis 2004) hat eine eigenwillige, authentische Position innerhalb der Malerei der zweiten Hälfte des letzten Jahrhunderts gefunden.

Peter Reichenberger verbindet eine unverwechselbar individuelle Handschrift in der Malerei mit konzeptionellem Gedankengut: Die Farbe wird bei ihm nicht mit dem Pinsel oder Spachtel aufgetragen, sondern direkt mit der Fingerkuppe, der Handkante oder dem Handteller.

In seriellen Reihungen werden die Abdrücke in übereinander gelagerten Schichten, Rhythmen und Verschränkungen gesetzt, häufig in monochromer Tonigkeit oder in polychromen Farbverläufen. Von großformatigen leuchtenden Bildtableaus auf Leinwand bis hin zu schwarzweiß anmutenden Papierarbeiten reicht sein Oeuvre, das in der Ausstellung retrospektiv beleuchtet wird.

Der Nachlass des Künstlers wird in der Reichenberger-Stiftung in Köln verwaltet, die neben Werken aus Privatbesitz die Leihgaben für die Ausstellung zur Verfügung stellt.

24. März 2017 bis 27. August 2017 - RAL 9005. Schwarz als Ausdrucksmittel in der Kunst

Im international verwendeten Farbsystem RAL steht die Nummer 9005 für „Tiefschwarz“. Doch diese Farbskala weist bereits auf die Vielschichtigkeit dieser (Un)Farbe hin, die erst durch das Fehlen des visuellen Reizes entsteht. Das Kunstmuseum Gelsenkirchen zeigt nun Künstler aus der eigenen Sammlung, in deren Arbeiten Schwarz eine zentrale Rolle spielt. Eine Besonderheit dieser Präsentation stellt die Arbeit von Nadine Poulain dar: Die Videoarbeit der Berliner Künstlerin konzentriert sich durch die Verwendung des Schwarz auf rein formale Aspekte. Sie ist die einzige Leihgabe dieser Präsentation.

Künstlerinnen und Künstler: Douglas Allsop, Nadine Poulain, Imre Kocsis, Dieter Haack, Jorge Stever, Ulla Grigat-Thore, Norbert Thomas, Helmut Bettenhausen, Franziskus Wendels, Kuno Gonschior, Arnulf Rainer, Franz von Stuck

12. September 2017 bis 10. Januar 2018 - Frisch restauriert!

Sammeln, Vermitteln, Forschen und Bewahren sind die Kernaufgaben jedes Museums. Zum Bewahren gehört dabei die regelmäßige Reinigung und Restaurierung der Kunstwerke einer Sammlung, damit diese auch zukünftig erhalten bleiben und gezeigt werden können.

In den vergangenen Jahren hat das Kunstmuseum Gelsenkirchen zahlreiche Gemälde, Grafiken und kinetische Objekte restaurieren können. In der aktuellen  Präsentation im Schaufenster des Museums werden nun neun Objekte präsentiert, die im Jahr 2016 fertiggestellt wurden. Dies reicht von Gemälden, die um 1900 entstanden sind und ein starkes Craquelé (Netz von Rissen und Sprüngen in der Malschicht) aufweisen, bis zu Werken der 1960er und 1970er Jahre, die auf Grund ihrer besonderen Materialzusammensetzung gefestigt werden mussten. Oder – exemplarisch für eine Vielzahl von kinetischen Objekten – eines, dessen Motor überarbeitet wurde, so dass es nun wieder reibungslos funktioniert.

In der Präsentation wird klar, dass Restaurierung nicht „wieder neu machen heißt“, sondern ein Prozess des Erhaltens und Bewahrens ist. Der Erhalt und die Stabilisierung von Originalsubstanz und die verbesserte Lesbarkeit des Kunstwerks stehen dabei jederzeit im Fokus der Arbeiten.

Ergänzt wird diese Präsentation durch eine Fotodokumentation der Arbeit der Gemälderestauratorin Martina Kerkhoff. Hier wird die hochspezialisierte Arbeit der Restauratorin für den Besucher erlebbar.

Die Restaurierung der Gemälde wurde durch das Land Nordrhein-Westfalen im Rahmen seines Restaurierungsprogramms Bildende Kunst gefördert. Seit 2015 fördert die Wüstenrot Stiftung das Projekt „Strategien zum Erhalt und zur Präsentation der kinetischen Sammlung des Kunstmuseums Gelsenkirchen“, innerhalb dessen auch das kinetische Objekt von Hans Geipel restauriert werden konnte.

23. Februar 2017 bis 30. April 2017 - „Macht – Ohnmacht“. Ein Holzschnittzyklus von Karl-Heinz Langowski

Erstmals im Kunstmuseum Gelsenkirchen ausgestellt wird der aus den 1970er Jahren stammende Holzschnittzyklus des Gelsenkirchener Künstlers Karl-Heinz Langowski. Unter dem Titel „Übergänge: Macht – Ohnmacht“ fertigte Langowski 12 Blatt zu einem Thema, das in der heutigen Gesellschaft und in der momentanen politischen Landschaft aktueller nicht sein könnte. Der Mensch wird als Spielball begriffen, als variable Größe zwischen den Polen von Herrschaft, Macht, Willkür auf der einen Seite und Ohnmacht, Gefolgschaft, Gefangenschaft auf der anderen Seite. Wie funktioniert dieser Übergang? Gibt es Auswege, Lösungen für den Einzelnen, für die Gemeinschaft? Karl-Heinz Langowski (Jahrgang 1931) setzt mit diesem Zyklus ein künstlerisches Statement. In seinem quadratischen Bildgeviert gibt es stets eine Kumulation von Menschen auf engstem Raum. Ganz im Sinne der groben Holzschnitttechnik sind die Figuren meist auf Kopf und Rumpf reduziert. Sie erinnern an Puppen oder Schachfiguren, die auf dem Spielbrett hin und her geschoben werden. Aber in der Variation der Figuren – teils mit Binnenzeichnungen - gibt es subtile Ausdifferenzierungen. Auch die Anordnung der Figurenstafetten mal längs, dann quer oder sogar geneigt, mal isoliert, mal ineinander verschachtelt, ist je nach Blatt unterschiedlich ausformuliert. Die Komposition in der Fläche, häufig an Achsen oder Symmetrien orientiert, wandelt sich von Blatt zu Blatt. Der Betrachter ist aufgefordert, diese Feinheiten zu entdecken und Bezüge herzustellen.

Das Mappenwerk wurde 1977 in einer Auflage von 50 Exemplaren gedruckt, alle handsigniert. Der Zyklus kam 2016 im Rahmen einer Schenkung aus privater Hand in die Sammlung des Kunstmuseums Gelsenkirchen

2. Mai 2017 bis 9. Juli 2017 „Bruchstücke eines Traums“. Arbeiten des jungen westen auf Papier

Die Künstlergruppe „junger westen“ gründete sich 1948 mitten in der Trümmerlandschaft des Ruhrgebiets. Nach dem NS-Regime und dessen rigider Kulturpolitik war die Verbindung zur Moderne abgerissen. Hier wollten die Künstler jedoch anknüpfen und gleichzeitig das neue Lebensgefühl und die Industriekultur, in der sie lebten und arbeiteten, in ihren Werken ausdrücken, um so zu einer zeitgemäßen Bildsprache zu finden.  Allen Grafiken der Ausstellung im Grafikkabinett des Museums ist das Spiel mit Abstraktion und Gegenstand sowie die Suche nach einer eigenen Formensprache gemein.

Künstler: HAP Grieshaber, Hann Trier, Hubert Berke, Georg Meistermann, Emil Schuhmacher, Gustav Deppe, Thomas Grochowiak, Heinrich Siepmann, Hans Werdehausen

11. Juli 2017 bis 17. September 2017 - Tierisch!

Künstlerische Auseinandersetzungen mit dem Tier in der GrafikTier gehören zu unserem Alltag. Viele leben mit ihnen, einige arbeiten mit ihnen und wieder andere fürchten sich vor ihnen. Es ist also nicht verwunderlich, dass das Tier spätestens mit Dürers „Feldhase“ zum Motiv der Bildenden Kunst wurde. Künstler setzten sich mit der Schönheit des Tieres, mit den Kraft und Stärke oder deren Verschiedenheit zum Menschen auseinander.

Im Grafikkabinett zeigt das Kunstmuseum Gelsenkirchen nun Grafiken der eigenen Sammlung, die sich mit dem Tier auseinandersetzten. In Tier-Studien, wie beispielsweise von Hans von Marées, kann man beobachten wie die Proportionen des Tiers analysiert werden. Ewald Mataré setzt sich genauer mit unseren Nutztieren auseinander. Marc Chagall widmet sich Affe und Leopard im Zoo und Walter Ebke ergründet die Tiere im Ruhr-Zoo. Auch die Welt der Tiere unter Wasser findet eine eingehende Beschäftigung bei vielen Künstlern.

Ausgestellte Künstler: Hans von Marées, Ewald Mataré, Karl Philipps, Max Ernst, Walter Ebke, Franz Marten, Marc Chagall, Ernst Demes und Renée Sintenis.

19. September 2017 bis 23. Dezember 2017 - Grafiken des Informels

Das Informel ist nicht im eigentlichen Sinne ein Stil, sondern fasst eine künstlerische Haltung zusammen: Künstler wollten Farbe und Form befreien und das spontane und gestische in ihre Werke integrieren. Nicht die konzentrierte Komposition ist Ziel des Arbeitens, sondern der Prozess selbst. Der Akt des Malens und die Formauflösung jenseits des Gegenstandes oder der geometrischen Abstraktion sind maßgeblich für die Künstler des Informel.

Seit 1952 hatte sich der Begriff „Informel“, der in Frankreich eingeführt wurde, in Deutschland etabliert. Die Künstler, die nach den Schrecken des 2. Weltkriegs nach neuen Kunst- und Ausdrucksformen suchten, hatten wieder die Möglichkeiten sich mit Kollegen in Frankreich und Amerika auszutauschen und ihre neuen Ideen zu realisieren. So entstanden im Westdeutschland der 1950er Jahre zahlreiche Ausstellungen zur neuen Kunstrichtung.

Das Kunstmuseum Gelsenkirchen zeigt in seinem Grafikkabinett elf grafische Arbeiten des deutschen Informel aus den eigenen Beständen. Dabei fällt nicht zuletzt auf, dass die meisten Arbeiten nicht betitelt wurden, was dem Streben der Künstler nach der Loslösung vom Gegenstand entspricht. In einer nicht betitelten Farbradierung von Emil Schumacher fließt eine rote Fläche scheinbar ohne Ziel durch das Blatt. In einer Komposition von Ernst Wilhelm Nay von 1952 wandern gelbe, blaue und schwarze Flächen und Linien gestisch durch die Arbeit. Ganz anders setzt Bernhard Schultze feine farbige Linien übereinander, die Gegenstände erahnen lassen und sich in ihrer Überlagerung doch auflösen.

Künstler der Ausstellung: Peter Brüning, Karl Fred Dahmen, Hans Hartung, Gerhard Hoehme, Ernst Wilhelm Nay, Markus Prachensky, Arnulf Rainer, Bernhard Schultze, Emil Schumacher, Walter Stöhrer, Fred Thieler

2. Mai 2017 bis 15. Oktober 2017 | Gudrun Kemsa – Subway

Das Kunstmuseum Gelsenkirchen zeigt in der Reihe „Gästezimmer“ das Video Subway der Düsseldorfer Künstlerin Gudrun Kemsa, das die U-Bahn New Yorks zur Bühne der Stadt macht. Das Thema von Subway von Gudrun Kemsa ist, wie in all ihren Arbeiten, die Stadt. In einem sehr strengen Bildaufbau hält sie ihre Kamera auf den gegenüberliegenden Bahnsteig einer Subway-Station in New York City. U-Bahnen fahren ein, Menschen steigen ein und hinterlassen leere Bahnsteige, die sich in kürzester Zeit wieder füllen. Doch durch die 2-kanalige Präsentation entsteht eine große Irritation dieses Videos – Personen verschwinden und andere tauchen auf. Diese scheinbar alltägliche Szene, die in allen Großstädten täglich tausendfach abläuft, wird durch die konzentrierte Bildaufnahme von Gudrun Kemsa zu einer urbanen Bühne, die genaues Hinsehen erfordert.

In ihren Arbeiten konzentriert sich Kemsa mit den Themen Bewegung und Zeit. In ihren Fotografien und Videoarbeiten, die ausschließlich im urbanen Raum, sehr häufig in New York, entstehen, erzählt sie keine Geschichten oder baut Erzählräume auf, vielmehr geht es ihr um die Bewegungsräume in der Stadt. Die Stadt wird für Kemsa zur Bühne, deren Regisseurin, Szenografin und Kamerafrau sie ist, die Menschen sind Statisten, die Raum und Zeit markieren.

29. Januar 2017 bis 2. April 2017 - Zweite Generation. Graphic Novel von Michel Kichka

Michel Kichka zählt zu den renommiertesten Karikaturisten und Illustratoren unserer Zeit. In der Graphic Novel, die das Kunstmuseum Gelsenkirchen im Original zeigt, beschäftigt sich Kichka mit dem Verhältnis zu seinem Vater, der Ausschwitzüberlebender ist. Die Erfahrungen, die Henri Kichka – Michels Vater – während des zweiten Weltkriegs machte, nehmen unmittelbar Einfluss auf das Familienleben, das Michel Kichka mit viel Witz, Wärme und scheinbaren Tabubrüchen zeichnet. Mit dieser Graphic Novel tritt Kichka in den Dialog zu seinem Vater und setzt sich mit dem Trauma seiner Eltern auseinander.

Neben der Auswahl von Illustrationen werden Sequenzen aus einem aktuellen Dokumentarfilm gezeigt, der Gespräche zwischen Vater und Sohn über Kriegs- und Nachkriegszeiten sowie Ausschnitte aus Lehr- und Schulveranstaltungen aufgezeichnet hat.

7. Mai 2017 bis 9. Juli 2017 - Open up IV. Glas, Linien, Frakturen von Alexander Voß

Alexander Voß ist, ausgehend von der Zeichnung, zur Umsetzung der Linie mit verschiedenen Materialien gelangt. In den letzten Jahren verwendet Alexander Voß Glasscheiben, deren vorgezeichnete Linien geschnitten und dann gebrochen werden. Diese gebrochenen Linien der Zeichnung erfordern über den alltäglichen Blick auf das Material hinaus als solche erkannt zu werden. Dann wird ihre bedächtige, aber in Komposition und Umsetzung prägnante Wirkung offenbar.

Die unter der Werklinie der “FRAKTUR” angefertigten Arbeiten sind Ausgangspunkt für die Ausstellungsreihe open up.

22. Oktober 2017 bis 21. Januar 2018 - Paul Hindemith. Einblick in das zeichnerische Werk

Dass der Komponist Paul Hindemith (1895 – 1963) auch ein talentierter Zeichner war, zeigt die Ausstellung seiner überwiegend kleinformatigen Zeichnungen im Kunstraum des Museums.

Jedes greifbare Papier diente dem sensiblen Beobachter als Bildgrund: Skizzenblock, Schnipsel, linierte, karierte, mit Notenlinien bedruckte oder kolorierte Blätter, ja sogar Speisekarten wurden mit Bleistift, Farbstift, Kugelschreiber oder Tinte bemalt. Zutage treten skurrile, surreale Wesen, Figurenkonstellationen oder Szenarien voller Witz, Anmut und Fantasie.

Sämtliche Exponate stammen aus dem Nachlass der Sammlung des Hindemith Instituts in Frankfurt/Main.Die Ausstellung wird realisiert in Kooperation mit dem Musiktheater im Revier (MiR), das die Oper „Mathis der Maler“ von Paul Hindemith in der Spielzeit 2017/2018 inszeniert.